Наверх
27 ноября 2015 в 17:11 Искусство Интервью 0 5 4758

Интервью с Сэт Уаном

SatOne, Ruarts, Артмоссфера, Москва, Unforeseen Circumstances

Известный немецкий художник принимает участие в выставке «Непредвиденные обстоятельства» в Москве. Дмитрий Аске поговорил с ним об абстракции, стрит-арте и планах на будущее.

Alone Сэт Уан на открытии выставки «Непредвиденные обстоятельства» в Москве. Фото: © Иван Ерофеев
С 11-го ноября по 5-е декабря в московской галерее RuArts при поддержке творческого объединения «Артмоссфера» проходит групповая выставка под названием «Непредвиденные обстоятельства». Свои работы представили: известный художник из Мюнхена Сэт Уан (SatOne), швед Финста (Finsta), а также московские художники Алексей Лука (Luka) и Дмитрий Аске (Aske). Мы побеседовали со всеми участниками и попросили их поделиться своими мыслями о создании работ на улице и в галерее, рассказать о своем творческом развитии и планах на будущее.
Alone © Сэт Уан
Сэт Уан, настоящее имя которого Рафаэль Герлах (1977 г.р.), является одним из самых талантливых и интересных европейских художников, корни творчества которого уходят в граффити. Он начал рисовать на стенах в 1991-м году. С 1999-го года Сэт постоянно принимает участие в фестивалях и выставках, а его работы появляются в журналах и книгах о граффити и уличном искусстве. С середины 2000-х годов Рафаэль пишет холсты, регулярно выставляя их на персональных и групповых выставках в Европе и США, и продолжает рисовать на улице. Сэт Уан всегда сильно выделялся среди других граффити-художников не только оригинальным стилем, но и обилием сюжетов, которые он использовал в работах. От рисования шрифтов и персонажей он постепенно перешел к созданию масштабных настенных рисунков, наполненных глубоким смыслом. В последние годы его работы все более тяготеют к чистой абстракции. Почему так произошло и чем немца так привлекает абстрактное искусство, он рассказал в интервью нашему изданию.


Alone © Сэт Уан
Привет, Рафаэль!

Привет, Дмитрий!


Первый вопрос — классический: ты уже бывал в Москве? Какие у тебя впечатления от города?

Я третий раз в Москве. И мне нравится контраст между современными зданиями и деревянными домами, монастырями и церквями — это очень живописно. Как будто находишь маленькие алмазы посреди хаоса. 


Какое искусство тебе нравится? Что для тебя самое важное в произведении искусства?

Меня привлекают работы, которые ставят какие-то вопросы. Я не говорю о политическом искусстве, которое, как мне кажется, вполне подходит для улиц, плакаты и все такое. Слово «недоумение» может быть как негативным, так и позитивным. Когда я вижу работу, которая меня каким-то образом задевает и заставляет задуматься не только над техникой и тем, как работает художник, но и над тем, переходит ли художник границы «нормальности» — это меня вдохновляет.

Alone © Сэт Уан
В чем разница между созданием работы на улице и в галерее?

Думаю, мой ответ будет обычным, как в большинстве интервью. Работа на улице — для публики, для всех. По сути, так оно и есть.


Что ты хочешь донести до зрителей своими работами?

Большинство работ, над которыми я сейчас работаю, связаны со снами, с цвето-формами, которые мне снятся. Еще во время путешествий я делаю много фотографий различных строений или различных объектов на улице, которые меня по-настоящему вдохновляют. Я хочу вдохновлять зрителей на поиск деталей, потому что, когда ты находишь какую-то мелочь, по моему мнению, это помогает тебе заглянуть глубоко в себя: ты начинаешь сравнивать каждую форму с чем-то, знакомым тебе по опыту. Например, если кто-то видит животное в абстракции, я это очень ценю. Это демонстрирует, что зритель противопоставляет себя произведению искусства таким образом, что оно работает как зеркало, отражающее его образ мышления. Для меня это намного интереснее, чем рассказывать самому о каждой части работы…

Alone «Трещина А», «Трещина Ц» на выставке «Непредвиденные обстоятельства», Москва, 2015 г. © Сэт Уан
А какова роль названия работы? Как ты придумываешь названия для своих настенных рисунков и картин?

Думаю, есть некоторый баланс... Либо ты выражаешь себя как личность, индивидуальность, художник, либо ты хочешь угодить публике. Я понял, что в большинстве работ отражается мое внутреннее «я». А сейчас я очень много думаю о путешествиях. Но не о поездках из точки А в точку В, а о путешествиях разума и их связи со сновидениями. Так что многие формы могут напомнить вам шоссе или какие-то разрозненные элементы. Ты должен найти нужную комбинацию сам. Это — история, которая где-то началась, а закончилась здесь. Но все, что произошло в процессе, пока не понятно. 

Возьмем название «Трещина». Трескаться, разламываться — значит ломаться. Я «сломал» холст не только визуально, поделив оба холста пополам... Если мы вернемся к разговору о том, какую личность я в себе обнаружил, то сейчас я хочу сломать и уничтожить то, чему я научился в прошлом, включая визуальные формы, и найти новый подход к технике. Если ты случайно откроешь новую технику, она может привести к новым формам. Так что в конечном итоге эти холсты рассказывают обо мне, о том, как выйти из своей зоны комфорта, подпитывать свою любознательность и пробовать новое.

предыдущая 1 / 1 следующая
Alone «Внутренняя жизнь 1» на выставке «В память о...», Сан-Франциско, 2015 г. © Сэт Уан Alone «Внутренняя жизнь 2» на выставке «В память о...», Сан-Франциско, 2015 г. © Сэт Уан
Что, по твоему мнению, является ключом к успеху групповой выставки?

Думаю, что, прежде всего, это работа куратора — изучить историю и творчество художников и как их работы будут сочетаться. Мне также кажется, что чем меньше участников, тем лучше. Три, четыре или даже пять — хорошее количество. 

Можно сравнить выставки с совместными работами на стене, как, например, на фестивале Meeting of Styles. Когда я смотрю на эти стенки, большинство мне не нравится, потому что издалека они выглядят, как орнамент, и вы перегружаете зрителя. Конечно, проходит очень много выставок, в которых участвует большое количество художников... Но лично я предпочитаю ходить в определенный магазин, специализирующийся на небольшом количестве товаров, а не идти  в супермаркет, в котором слишком много всего, и тебя это приводит в замешательство.

Twocol Twocol Twocol Twocol Twocol Twocol

Почему ты решил перейти от работ с персонажами и полуабстрактных работ к полной абстракции?

Я заметил, что персонажи, которых я рисовал, не слишком много рассказывали о том, о чем мне хотелось рассказать, не говорили обо мне. Это была непрерывная эволюция. Для меня персонаж — это рамка, а абстракция... Даже если она не дает тебе полной свободы, то по крайней мере позволяет тебе выйти за эти рамки. Но время от времени мне нравится включать в работы фигуративные элементы. Например, на выставке в 2013-м году, когда я вернулся из путешествия по Индии, у меня на картинах было больше предметного. Так, на одной из работ под названием «Мумбаи» я изобразил проезжающие мимо поезда, а на другой — «Бангалор» — тук-тук, которые очень часто можно увидеть там на улице. Мне нравится выжимать информацию из того, что я вижу, и смешивать с чем-то своим.

предыдущая 1 / 1 следующая
Alone © Фрэнк Стелла Alone © Джон Чемберлен
Кто из абстрактных художников, не обязательно с граффити-прошлым, тебя восхищает?

Есть такой испанский художник Пабло Паласуэло (Pablo Palazuelo). И еще мне очень нравится Фрэнк Стелла (Frank Stella). И еще художник, который меня очень вдохновляет, Джон Чемберлен (John Chamberlain). Он работал с покореженными машинами и всяким автомобильным хламом.

Я всегда сравниваю такие случаи с готовкой. Когда ты пробуешь блюда других поваров, тебе не хочется скопировать их или украсть рецепт. В тебе просыпается аппетит и любопытство: тебе хочется пойти домой, на кухню, смешать свои собственные ингредиенты и приготовить что-то свое.

Alone © Сэт Уан
Сегодня мы наблюдаем возрождение абстракции среди художников, начинавших с граффити. Как ты думаешь, в чем причина?

Думаю, причины разные. Я уверен, что кто-то из стайл-райтеров, кто увлекся абстракцией, хочет выйти за рамки холста и показать какие-то детали своего стиля. Они поняли, что граффити-шрифты должны быть на улицах и выглядят странно, как птица в клетке, когда их переносят на холст метр на полтора. Мне тоже это кажется странным. Может быть, для кого-то абстракция — это модная тенденция. Не знаю... А ты как думаешь?


Думаю, у всех свои причины. Кто-то устал от написания букв, кто-то пытается рисовать что-то новое, а кто-то просто гонится за модой. Возможно, дело еще во вкусах публики. Я вижу, что проходит очень много персональных и групповых выставок у тех художников, которые рисовали граффити или до сих пор совмещают граффити с работой в галереях, и которые начали рисовать абстракцию три или четыре года назад. А до этого они рисовали совершенно другое.

Да. Я тоже виду, что существует большая разница между абстрактным искусством и людьми, которые пытаются стать художниками-абстракционистами. Для меня абстракция — это инструмент, позволяющий уменьшить количество информации, но не ограничивать ее, а для некоторых — это нечто, к чему можно просто применить технику абстракции, как небрежные мазки, брызги и подтеки, а поверх теги. И они пытаются перенести поверхность для граффити в галлерею, что, как мне кажется, сделать очень сложно. 

Twocol Twocol Twocol Twocol

Есть, например, Ривок (Revok), и Ретна (Retna) со своими каллиграфическими холстами, которые для меня являются практически абстракцией, так как очень мало кто может прочесть, что на них написано. И есть Фелипэ Пантоне (Felipe Pantone) и Джон Уан (Jon One). Они рисуют на улице граффи, но, когда они создают работы для галереи, они полностью меняют свой стиль. Например, если показать работы Ривока на улице и для галреи человеку, не знакомому с его творчеством, он может не увидеть точек соприкосновения. Я не говорю, что это хорошо или плохо, мне просто интересно: почему уличные художники и райтеры, когда работают с галереями, часто пишут абстрактные картины?

Думаю, как правило, всегда заметна разница между тем, кто просто хочет следовать за модой, и тем, кто вкладывает столько же сил и энергии, сколько он вкладывает в свои уличные работы, во что-то, пусть не совсем новое, но что, по его мнению, может хорошо сработать в галерее. Например, у художников, которых ты упомянул, есть история, которой они могут поделиться. Я думаю, что после двадцати, тридцати лет работы на каждое произведение нужно смотреть в контексте всей творческой деятельности художника. И я уверен, что такие люди, как Ривок, в процессе развития могут брать элементы из своих уличных работ и соединять их с чем-то новым. В работах Ривока до сих пор чувствуется энергия, которую он вкладывает в работы, и мне это нравится.

Еще один художник, который, правда, не выставляется в галереях, но чей подход к самовыражению мее очень нравится, это — Чинтс (Chintz) из Германии. Когда ты видишь, что он раньше делал... Может быть, он единственный, кто делал одноцветные хол-кары с желтой полоской, например… И хотя мне кажется, что 90% граффии-райтеров не могли этого понять, для меня это до сих пор работает, потому что он очень самобытный, и это мощно.

Приведу очень абстрактный пример, но все же... Если, в конце концов, ты просто рисуешь синюю точку на холсте, а люди с ума сходят... Я говорю не конкретно о синей точке, а просто о чем-то маленьком, что вызывает такую бурную реакцию... Думаю, в таком случае можно считать, что ты достиг наивысшей точки как художник.

Twocol Twocol Twocol Twocol

Возвращаясь к нашему вчерашнему разговору, расскажи, пожалуйста, историю о слоях краски на стене и жестких дисках.

Хорошо. Берлин — город, в котором я бываю чаще всего. Он такой кипучий и постоянно меняется, особенно это касается граффити, скорее даже бомбинга. С начала 1990-х меня очень впечатляли большие серебряные куски, и я часто бывал на известном холл-оф-фейме под названием Mauerpark. И там на стенах огромное количество слоев краски, сантиметра два толщиной. Когда я оказался на этом холл-оф-фейме, я отколол кусочек от стены. И когда ты смотришь на эти слои краски, конечно, первое, что приходит тебе в голову, это мысль о количестве сделанных там рисунков. Но я также задумался о том, сколько времени и сил люди вложили, чтобы сделать эскизы, все спланировать, встретиться с друзьями, собрать краску, привезти краску для фона или лестницу... И все это законсервировалось в этих слоях краски толщиной в два сантиметра.

Мне интересно, что, если представить себе все это в ускоренной съемке, то это место бы заполнилось тысячами банок с краской и людьми, одновременно рисующими на стене. Этот образ я использовал для плаката, который сделал для берлинского проекта Draw A Line, и он связан с этим городом.

Можно сравнить это с жестким диском, на который умещается определенное количество информации. Например, у тебя есть диск на 1Тб, и для меня один день в Берлине — то 1Тб, и за день он заполняется. Так что приходится что-то удалять, то есть рисовать поверх уже нарисованного. А потом у тебя появляется еще 1Тб или какой-то другой объем информации, который мы сохранили…


Принт Berlin Hard disk для Draw a Line

Принт Pigments для Draw a Line
На протяжении своего творческого пути ты создал огромное количество работ как на улице, так и в для галерей. Что для тебя значат все эти работы? Как они связаны с тем, что ты делаешь сейчас? Вдохновляют ли тебя до сих пор эти работы?

Там, где я рос, был огромный заброшенный завод. И с 1993-го по 2007-й год я создал там сотни рисунков, потому что он находился рядом с домом родителей. Когда я сейчас смотрю на эти фотографии, я узнаю каждую работу. Но здание снесли, и все пропало. В конечном итоге, ты ничего не можешь забрать с собой, у тебя остаются фотографии разной степени качества... А если взглянуть на это с точки зрения жестких дисков, то я назвал бы их «Процесс 1», «Процесс 2» и т.д. Я благодарен за тот опыт, потому что без него меня бы здесь не было.


Тебе нравится большинство твоих старых работ? Или бывает так, что ты думаешь: «Как я мог сделать такой отстой?»

Да, конечно... Но я до сих пор горжусь своими работами, они мне до сих пор нравятся, потому что я делал более наивные по содержанию рисунки, и мне было это интересно. В этом чувстве больше ностальгии, чем ощущения: «О, круто!» Потому что, если бы они мне слишком нравились, связь с ними была бы слишком сильной, и я бы не чувствовал необходимости развиваться. Можно сравнить это с игрушками, с Lego или Playmobil. Я очень любил в детстве играть в Playmobil. Сейчас время от времени, когда я прохожу мимо магазина игрушек, я с удовольствием беру каталог и в поезде по дороге домой смотрю, что нового у Playmobil. Мне до сих пор нравится Playmobil, но я сейчас не испатываю необходимости в него играть.

Alone © Сэт Уан
Что ты думаешь о художниках, которые делают одно и то же?

(Смеется). Не думаю, что я могу обсуждать других художников...


Мы не будем называть имена, мне бы скорее хотелось, чтобы ты рассказал о том, как по-разному люди относятся к своему творчеству.

Было время, где-то в районе 2002-го года, когда уличное искусство, особенно постеры с изображением одноглазого персонажа и наклейки, стали очень популярны. Я знаю, что некоторые художники до сих пор этим занимаются. Мне тогда это не казалось чем-то естественным, потому что это быстро становилось скучным. И, корме того, если вы собираете определенную аудиторию и последователей, то вы становитесь как музыкальная группа, которая играет свои хиты, и через десять и двадцать лет люди по-прежнему хотят слушать только эти песни. Мне бы это было странно. Я ставил себе задачу создать стиль, развить определенный вкус. Не важно, рисовал я что-то фигуративное или что-то абстрактное, мне хотелось, чтобы люди узнавали меня по стилю. Мне кажется, что такой подход дает большую свободу.

Что касается других художников, то ты не можешь заглянуть к ним в душу. Может быть, им так нравится, к тому же это — отличный способ продвижении — повторять одно и то же. Мне кажется, что это умно, но в то же время это проще. Можно сравнить с супермаркетом: если ты хочешь купить Колу, то будешь искать красную банку. А теперь представь, что на следующее утро ты увидишь желтую банку Колы. Возможно, она тебе не понравится или ты даже не сможешь ее найти. Так что мне кажется, что некоторые художники создают определенную формулу для своей аудитории… Но, что касается меня, мне было бы слишком скучно все время повторять одно и то же.

Twocol Twocol Twocol Twocol

Ты считаешь, можно развиваться и экспериментировать и сохранить интерес аудитории? Можно найти баланс между творческим прогрессом и заинтересованностью людей в твоем творчестве?

По моему опыту, если ты силой меняешь стиль, то, мне кажется, что ты подталкиваешь свою аудиторию следовать за собой. Но если все происходит естественно, тогда, возможно, ты привлечешь новых людей. В процессе ты можешь потерять половину старой аудитории, но, как бы то ни было, это нужно делать для себя. В этом — главный приоритет.


То есть для тебя самое главное — оставаться верным себе, естественно развиваться без огладки на аудиторию и на то, что она от тебя хочет?

Да. Конечно, всегда бывает время, когда ты чувствуешь себя хорошо в плане создания работ, которые подходят для этого времени. И было бы глупо менять что-то каждый день, потому что публика, коллекционеры хотят видеть что-то, о чем можн подумать: «Чего можно ждать от этого художника в ближайшие полгода-год? Можно в него вложить денег?» Но я также уверен, что аудиторию можно образовывать. И в ключе нашего разговора о работах художника в контексте всей его творческой деятельности, если людям интересно твое творчество, они поймут, что ты растешь и пытаешься найти какие-то новые пути развития. Потому что, в конечном итоге, техника вторична по отношению к замыслу. Я вижу,  что большинству людей нравится стиль, техника, и они не очень интересуются идеями.

Alone © Сэт Уан
Чье мнение о твоих работах для тебя важно? С кем тебе нравится обсуждать свое творчество?

Хороший вопрос. Думаю, с художниками, да и на самом деле с разными людьми, некоторые из которых вообще не связаны с искусством, как, например, люди, с которыми ты общаешься, рисуя на улице: конструктивная критика всегда приветствуется. И еще с возрастными успешными художниками: интересно просто поделиться опытом и поучиться у них. 
  

Кстати, какой обычно ты получаешь отзыв, когда делаешь абстрактные настенные росписи? Как люди на них реагируют?

Очень по-разному. С одной стороны, люди просто проходят мимо и пытаются угадать, что же будет изображено на стене или представить что-то, что бы им хотелось увидеть: «Слушай, почему ты не нарисуешь церковь или цветы»? (смеется). С другой стороны, я встречал людей, которые пытались найти и рассказывали мне о том, что они видят в моей работе, и мне интересно включать их мнение в свои последующие росписи.


© Сэт Уан

Что ты думаешь по поводу всемирной шумихи вокруг уличного искусства? Что все, что связано с граффити и стрит-артом, стало таким модным? Как себя чувствует художник, начавший рисовать на улице двадцать лет назад?

Я до сих пор думаю, что победит качество. Существует два типа людей, два рода художников: те, кто готовит, и те, кто ест (смеется). И, возможно, некоторым из тех, кто готовит, нужно просто поглубже вздохнуть, чтобы добиться успеха. И еще есть люди, которые следуют за модными веяниями и знают, как себя рекламировать. Однако, в целом, мне кажется, что эта шумиха влияет и на галереи, и на коллекционеров, и на обычных людей: они тоже начинают понимать, что у сорокалетних художников, которые до сих пор рисуют на улице на хорошем уровне, скорее всего, есть своя история. Я думаю, что это привлекает людей.

Что касается тех, кто начал рисовать лет пять назад и вокруг кого сейчас невероятная шумиха… Не знаю, смогут ли такие художники оставаться на плаву долгое время… У меня такое мнение. А уличное искусство и все эти модные настенные росписи, думаю, этот пузырь лопнет через пару лет. Можно расписывать по сто огромных стен в год, но если в них не вкладывается никакая информация, никакие мысли, то в чем тогда смысл вообще этим заниматься?



Такие классические изображения, которые нравятся большинству людей…

Точно. Мне совсем не по душе избитые сюжеты. Без сомнения, такоие изображения доступны всем, и люди видят в них красоту, но если ты слишком быстро к чему-то привыкаешь, ты забываешь о чем-то еще. Так, например, если ты увидишь симпатичную собаку на улице, она тебе понравится, но запомнишь ты ту, которая постоянно лает.


То есть это как «лайки» в Сети: поставил «лайк» и забыл.

Именно. Кстати, у меня есть теория насчет «лайков» на Фейсбуке. Думаю, все видели, как кто-нибудь останавливается перед картиной в музее и говорит: «Мои дети так могут нарисовать!» или «А что это значит?» Я всегда чувствую, что между ними и произведением — пропасть. Стрит-арт, я говорю о модных настенных росписях, сделал смысл работ настолько доступным, что люди сразу же его видят, и их «лайк» означает не только то, что им понравилась работа, но и что-то вроде «я поздравляю себя с тем, что я понял, в чем тут смысл». Я имею в виду, что простые вещи делают людей счастливыми. Мы все знаем, как круто решить математическую задачу или разгадать Судоку.

Alone © Сэт Уан
И напоследок еще один классический вопрос: какие у тебя планы на будущее?

Что касается ближайшего будущего, то я буду готовиться к следующим выставкам. Я с нетерпением жду, когда смогу прекратить работу над остальными проектами и на несколько месяцев сосредоточиться на работе в студии. Я заметил, что как только ты попадаешь в струю, ты начинаешь пробовать что-то новое. Иначе, периодически ты думаешь: «Ой, меня пригласили туда и сюда…» И после этого требуется определенное время, чтобы вернуться к своим мыслям и найти хорошую отправную точку для начала работы. Так что предстоящее время — своего рода лаборатория, время, когда я смогу изолировать себя от внешнего мира. Будет зима, так что я собираюсь скачивать аудиокниги, готовить вкусную еду и каждый день в течение нескольких месяцев работать в студии. При таких условиях я уверен, что можно очень продуктивно продвинуться и сделать это достаточно быстро.


Большое спасибо за интервью и успехов!

Спасибо вам.

Alone Фото: © Draw a Line
Выставка «Непредвиденные обстоятельства» продлится до 5-го декабря в галерее RuArts: 1-й Зачатьевский переулок, д. 10. Вт-Сб, 12:00-22:00. Вход — свободный.
Alone
Материал подготовили 
Дмитрий Аске и Ксения По
Узнать больше о Сэт Уане (SatOne) вы можете, прочитав нашу подробную статью о нем, посмотрев большую подборку его работ, а также посетив его страницу на Инстаграме. Также вы можете прочитать наши интервью с Финстой (Finsta) и Дмитрием Аске (Aske).
5 понравилось
Обложки журнала Ride Обложки журнала Ride

Серия из десяти обложек велосипедного журнала, сделанная иллюстратором и дизайнером Шан Джангом.

1 2029
Выставка Эль Мака Выставка Эль Мака

У американского художника проходит музейная выставка «Возвышенный аэрозоль» в Центре искусств в Колорадо. В экспозицию вошли холсты Эль Мака и совместные работы с Ретной.

0 1389
Чтобы комментировать, зарегистрируйтесь или войдите на сайт.